Bildnachweis: Laura Reichert
Hallo Martina, erzähl unseren Zuhörern doch kurz etwas über dich und was du machst.
Ich bin Filmemacher, Fotograf und Künstler, ein sehr sensibler Mensch, der sich im Wasser zu Hause fühlt. Tränen sind das größte Kompliment.
(„Silky Shark“ von Martina Trepczyk)
Manche sind mit der Analogfotografie aufgewachsen, andere haben erst damit angefangen, nachdem sie zunächst Digitalkameras benutzt hatten. Wie hat Ihre Reise in die Welt der Analogfotografie begonnen?
Als Kind der 90er bin ich mit einer Vielzahl von Formaten aufgewachsen – Heimvideokameras, VHS-Kassetten, Audiokassetten, 35mm , sogar Schallplatten. Als Teenager trug ich stolz einen Discman mit selbst gebrannten CDs bei mir, bevor ich schließlich auf einen iPod Shuffle umstieg. Etwa zu dieser Zeit kaufte ich mir mit 14 Jahren von meinem Praktikumsgeld meine erste DSLR, fotografierte aber daneben weiterhin regelmäßig auf 35mm .
An der Universität wurden wir noch auf MiniDV ausgebildet, und erst später, als ich Anfang zwanzig war, begann ich auch mit Super-8-Film zu arbeiten. Rückblickend war das eine faszinierende Zeit des Übergangs zwischen den Formaten. Der so natürliche Wechsel zwischen Analog- und Digitaltechnik hat mir schon früh gezeigt, dass Kameras – und die von ihnen verwendeten Medien – in erster Linie Werkzeuge sind und nicht nur ästhetische Entscheidungen.
Das Fotografieren zwingt zu einem langsameren Tempo. Inwiefern hat die Begrenzung auf „8, 10, 12, 24 oder 36 Aufnahmen“ die Art und Weise verändert, wie du mit deinen Motiven umgehst, bevor du auf den Auslöser drückst? Ist das für dich vergleichbar mit dem Filmen auf Super-8?
Ich liebe es, die Welt durch den Sucher zu betrachten. Ich liebe es, Bilder zu komponieren und mir Zeit zu nehmen. Das Fotografieren mit Film hat mich gelehrt, wählerisch und präzise zu sein. Film war immer teuer – und manchmal sogar im örtlichen Fotogeschäft ausverkauft –, daher kam er mir besonders kostbar vor. Das führte natürlich dazu, dass ich den Prozess selbst bewusster gestaltete.
Die Begrenzung der Belichtungsanzahl schätze ich sehr. Sie bringt einen dazu, nachzudenken, bevor man auf den Auslöser drückt. Ich frage mich oft, wie viele Bilder sich in den Fotoalben unserer iPhones befinden, die wir uns nie wieder ansehen werden.
Lange Zeit habe ich bei 35mm nur ein einziges Bild pro Motiv gemacht. Das geht auf eine Übung zurück, die ich an der Universität gelernt habe und die ich nun in meinen eigenen Workshops vermittle: Erzähle die Geschichte in wenigen Bildern oder noch weniger. Dieselbe Szene aus verschiedenen Blickwinkeln aufzunehmen, verleiht der Erzählung nicht unbedingt mehr Tiefe oder hebt sie auf eine höhere Ebene – es ist einfach nur Wiederholung. Mein Professor bat uns, 20 Aufnahmen zu einer bestimmten Geschichte zu machen, dann setzten wir uns zusammen und sortierten die Hälfte aus. Von dieser Hälfte fragte er, was wirklich notwendig sei, um die Botschaft zu vermitteln. Es blieben 5 übrig. Das hat sich so tief in mir verankert, dass ich nun, wenn ich ein neues Projekt beginne, umgekehrt vorgehe. Ich versuche, die wenigen Schlüsselbilder zu identifizieren, zwischen 3 und 5, die ich aufnehmen muss. Das gilt natürlich für jede Szene oder jeden Ort. Es ist ein sehr nützliches Werkzeug, du solltest es ausprobieren.
Jedenfalls ist es bei Super 8 ganz ähnlich. Ich wähle sorgfältig aus, was ich filme, und lasse jede Einstellung mindestens fünf Sekunden lang laufen, damit sie an Gewicht und Aussagekraft gewinnt. Ich wiederhole Aufnahmen nur selten.
Ich mache nur dann eine zweite und dritte Aufnahme desselben Motivs, wenn ich das Gefühl habe, dass meine Hand gezittert hat oder sich das Motiv nach der ersten Aufnahme besser präsentiert hat.
Was ist dir wichtiger: das Licht einer Szene oder das Motiv darin?
Eine interessante Frage: Weder noch. Es kommt auf die Komposition an. Selbst der alltäglichste Gegenstand kann in schönem Licht poetisch wirken, ebenso wie das interessanteste Motiv ohne Spannung langweilig wirken kann. Daher glaube ich, dass die Komposition in beide Richtungen wirken kann.
(Foto: Martina Trepczyk)
Was hoffen Sie, dass in fünfzig Jahren mit Ihren physischen Negativen geschieht?
Ich hoffe, dass sie in einer Ausstellung sorgfältig neben wunderschönen großformatigen Kunstdrucken präsentiert werden. Dabei wird darauf hingewiesen, dass dies der Tiefpunkt der Artenvielfalt und ein Wendepunkt war und dass es seitdem wieder bergauf geht.
Beschreiben Sie kurz Ihren Arbeitsablauf beim Scannen mit der Kamera: Was gefällt Ihnen daran, und was weniger?
Mir gefielen die technische Ausstattung und die Haptik des VALOI easy35 . Wenn ich in Kameraausrüstung investiere, muss sie robust und zuverlässig sein. Ich hatte gehofft, mein 90-mm-Leica-R-Objektiv verwenden zu können, musste aber schnell feststellen, dass die Naheinstellgrenze bei 0,7 m lag. Selbst mit allen Extendern reichte das nicht aus und sah ziemlich komisch aus. Daher machte es Sinn, dass VALOI die Verwendung von Makroobjektiven empfiehlt. Sobald ich das geklärt hatte – mit einem ausgeliehenen Panasonic Lumix S 100 mm f/2,8 Makro – verlief der Scanvorgang reibungslos. Ich stellte meine Leica SL3-S miteasy35 VALOI easy35 meinen Laptop und schloss sie über ein USB-C-Kabel an. Ich öffnete Lightroom und die sogenannte Tethered Capture-Funktion. Ich begann, den Negativfilm einzulegen und fokussierte manuell auf die Körnung. Die Fokussierung auf die Körnung ist zuverlässiger als auf den schärfsten Teil des Fotos, da der Fokus des Bildes selbst manchmal nicht stimmt. Ich genoss den haptischen Prozess. Nachdem ich die Filme – im Grunde genommen Rohfotos von Negativen – gescannt hatte, begann ich mit dem Schwarz-Weiß-Film TriX, konvertierte die Negative und war zufrieden, wie einfach das funktionierte, aber nicht besonders glücklich mit diesem speziellen Film, da ich ihn in der Hitze des Shootings nicht richtig belichtet hatte. Kein Herumprobieren konnte wiederherstellen, was eigentlich richtig belichtet hätte sein sollen. Dann konvertierte ich den Kodak Portra 160-Film und war verblüfft. Einfach schockiert. Ich wollte gar nicht mehr aufhören, die Einstellungen anzupassen. Die Ergebnisse waren fantastisch. Das half mir, die Vorgehensweise zu verstehen. Also überarbeitete ich die vorherigen Scans und bin seitdem begeistert davon.
Als Filmemacher kennst du dich bestens mit der Farbkorrektur aus – wie viel Spaß hat es dir gemacht, deine eigenen Scans zu bearbeiten? Hast du irgendwelche Tipps?
(Lacht) Ich weiß sicher nicht alles über Farbkorrektur, ich habe erst kürzlich ein Einzelcoaching absolviert. Genau deshalb, weil ich Farben zwar intuitiv wahrnehme, mir aber das technische Hintergrundwissen und Verständnis für Farbräume, Konvertierungen usw. fehlte. Jetzt fühle ich mich viel besser gerüstet. Das gleiche Prinzip kann ich nun jedoch
Wie wirkt sich Ihrer Meinung nach die Farbabstimmung bzw. Bearbeitung eines Fotos auf unsere Wahrnehmung aus?
Auf eine Frage gibt es viele Antworten. Unter Wasser wird die Farbwahrnehmung durch physikalische Gesetze verzerrt – Rot verschwindet als Erstes in einer Tiefe von etwa 5 bis 10 Metern, gefolgt von Orange und Gelb, während Blautöne weiterhin dominieren. Die Bearbeitung ist daher keine Verbesserung, sondern eine Rekonstruktion der Wahrnehmung: eine Möglichkeit, Informationen „zurückzugeben“, die dem bloßen Auge verborgen bleiben, vom Sensor jedoch erfasst werden.
Ich kann mir auch vorstellen, dass wir alle ein Farbspektrum wahrnehmen, und nur weil wir etwas als scharlachrot oder rubinrot bezeichnen, heißt das noch lange nicht, dass wir es alle gleich sehen. Die Scantechnologie ist ein technischer Ansatz, um das Aufgenommene wiederzugeben, aber als Künstler hast du es vielleicht anders erlebt.
Farben beeinflussen auch die ethische Wahrnehmung. In der Umweltberichterstattung können sie Zerstörung entweder romantisieren oder eine härtere Realität offenbaren. Sie beeinflussen, wie „wahr“ etwas wirkt, auch wenn das aufgenommene Bild stets durch die Person hinter der Linse gefiltert wird. Um den BBC-Regisseur Mike Dibb zu zitieren, von dem ich viel gelernt habe: „Eine Aufnahme ist eine Aufzeichnung einer Wahrheit, nicht die Wahrheit“ – das heißt, sie ist eine Version, eine Einrahmung, eine Perspektive, eine Auswahl von etwas durch jemanden.
(Foto: Michael Messer)
Was hältst du von Scans, auf denen die Filmränder und der Filmtitel zu sehen sind – gut oder schlecht? Erläutere deine Meinung.
Echt cool! Das finde ich toll. Nicht überall und nicht immer, aber ich mag es wirklich, wenn man bei Scans die Filmränder sieht. Ich merke immer, wenn es gefälscht ist, und das lässt mich zusammenzucken. Selbst große Produktionen fälschen es. Die Körnung mag zwar passen, aber sie vergessen fast immer, dass klassisches Super-8 mit 18 fps oder 24 fps gedreht wird, nicht mit 25 fps, weshalb die Bewegung nicht gleich aussehen kann. Es hat mich immer verwirrt, wenn ich den Vorspann von „Succession“ gesehen habe.
das Original-Archivmaterial:
vs Super-8-mm-Imitat bei 00:41 https://www.reddit.com/r/SuccessionTV/comments/12veeoq/all_four_seasons_opening_credits/
Hat das Scannen von Fotos Ihre Herangehensweise an die analoge Fotografie verändert?
Ich würde nicht sagen, dass sich meine Herangehensweise dadurch geändert hat, aber das Scannen hat mich definitiv daran erinnert, mir eine Sekunde mehr Zeit zu nehmen, um die Belichtung richtig einzustellen. Mit gut belichteten Negativen lässt es sich wunderbar arbeiten. Sie lassen sich hervorragend scannen und bieten viel Spielraum bei der Farbkorrektur. Ist etwas jedoch stark unter- oder überbelichtet, lässt sich in der Nachbearbeitung nur sehr wenig retten.
Und zum Schluss: Welchen Rat würdest du jemandem geben, der gerade erst mit der Fotografie anfängt?
Investiere mehr in die Geschichte als in die Ausrüstung. Entwickle sozusagen deinen eigenen Stil und deine Handschrift, anstatt Trends hinterherzulaufen. Achte mehr auf den negativen Raum und vor allem: Trenne dich von deinen Lieblingen. Eine sorgfältige Auswahl ist besser als mehr vom Gleichen.
(Foto: Martina Trepczyk)
Weitere Informationen zu Martina findest du hier: https://www.martinatrepczyk.com/
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